Revista Multidisciplinar Epistemología de las Ciencias
Volumen 3, Número 2, 2026, abril-junio
DOI: https://doi.org/10.71112/2gxn2g74
LA COLONIZACION MÚSICAL EN EL ASPECTO EMOCIONAL DE LOS
ESTUDIANTES Y SU INFLUENCIA EN EL APRENDIZAJE
MUSICAL COLONIZATION IN THE EMOTIONAL ASPECT OF STUDENTS AND ITS
INFLUENCE ON LEARNING
Aníbal Tarifa Ferrano
Bolivia
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La colonización musical en el aspecto emocional de los estudiantes y su
influencia en el aprendizaje
Musical colonization in the emotional aspect of students and its influence on
learning
Aníbal Tarifa Ferrano
a,
*
https://orcid.org/0009-0003-5765-5577
rogertarifafe@gmail.com
Autor de correspondencia: rogertarifafe@gmail.com,
a
Universidad Pedagógica, Bolivia-Sucre
RESUMEN
Este artículo analiza la necesidad de descolonizar la educación musical en las escuelas y a
través ello transformar las emociones personales. Se reconoce que la colonización ha influido
en el surgimiento de la tristeza y melancolía esto por la opresión colonial, lo que restringe la
expresión emocional positiva y dificultad en el aprendizaje en los estudiantes. Como respuesta
a aquello, se propone implementar la música y práctica instrumental desde el área de
educación musical en tonalidades mayores, para promover emociones positivas y mejorar el
aprendizaje. Desde el enfoque teórico, se explora cómo la música afecta las emociones y
regula la parte afectiva. También se revisa una dicotomía entre tonos mayores y menores,
enfatizando el tono mayor que generalmente se asocia con la alegría y la tonalidad menor con
la tristeza. Además, las teorías de Howard Gardner sobre las inteligencias múltiples y las
investigaciones de la neurociencia de Francisco Mora, que enfatizan el rol fundamental de las
emociones en el proceso aprendizaje. El estudio contextualiza el problema en América Latina,
especialmente en la región andina de Bolivia, donde la colonización musical ha alterado la
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identidad cultural de estos pueblos. La imposición de estructuras musicales eurocentricas ha
llevado a una predominancia de tonalidad menor al contexto andino, reflejando la historia de
sumisión y pérdida cultural. Como estrategia es la creación de espacios educativos, donde la
música se utilice para fortalecer el desarrollo emocional positivo a partir de la enseñanza en
tonalidades mayores para descolonizar la música triste melancólica y promover un aprendizaje
más productivo en la educación.
Palabras clave: Emociones, descolonización, modulación musical, modo musical.
ABSTRACT
This article analyzes the need to decolonize music education in schools and, through it,
transform personal emotions. It is recognized that colonization has influenced the emergence of
sadness and melancholy due to colonial oppression, which restricts positive emotional
expression and hinders learning in students. In response, we propose implementing music and
instrumental practice in music education in major keys to promote positive emotions and
improve learning. From a theoretical perspective, we explore how music affects emotions and
regulates affective aspects. We also review a dichotomy between major and minor keys,
emphasizing the major key, which is generally associated with joy, and the minor key with
sadness. We also examine Howard Gardner's theories on multiple intelligences and Francisco
Mora's neuroscience research, which emphasize the fundamental role of emotions in the
learning process. The study contextualizes the problem in Latin America, especially in the
Andean region of Bolivia, where musical colonization has altered the cultural identity of these
peoples.
Keywords: Emotions, decolonization, musical modulation, musical mode.
Recibido: 1 abril 2026 | Aceptado: 21 abril 2026 | Publicado: 22 abril 2026
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INTRODUCCIÓN
La música juega un papel importante en la vida emocional de los estudiantes, por lo que
las instituciones educativas deben promover su uso como un medio de desarrollo personal y
social. La música viene escrita en tonalidades mayores o menores, en el cual el modo mayor
está relacionado con la alegría y el modo menor con la tristeza. Los estudios muestran que la
modulación para tonos mayores puede fortalecer las emocionales positivas y mejorar el
rendimiento académico de los estudiantes en el aula.
También existen enfoques que se basa en las teorías de las inteligencias múltiples de
Gardner y de los avances de neurociencia de Francisco Mora, mostrando un marco teórico
para identificar el impacto de la música en la educación. En América Latina, especialmente en
la región de Bolivia, la colonización musical ha afectado a la identidad cultural y emocional
imponiendo estructuras musicales europeas que han contribuido la predominancia de la música
en tonalidades menores y está asociada con la tristeza y la melancolía.
Este estudio requiere descolonizar la música en el ámbito educativo, utilizando tonos
mayores en la música para crear emociones positivas y mejorar el proceso de aprendizaje. La
implementación de espacios educativos, donde se utiliza la música de una manera consiente,
permite contrarrestar las consecuencias de la colonización musical y promover un aprendizaje
más enriquecedor y equilibrado.
Los objetivos de este estudio son: descolonizar la música occidental como la acción de
liberación de la opresión para un mejor aprendizaje, implementar la modulación musical en un
tono mayor para llevar emociones positivas y promover el desarrollo de la inteligencia musical
en los estudiantes. La estructura de trabajo está organizada en cinco secciones:
Primero, se enfoca la importancia de las emociones en el proceso de aprendizaje del
estudiante. Segundo, se analiza el impacto de la modulación de tonalidades mayores y
menores en la transformación de las emociones. Tercero. Se discute el papel de la
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neuroeducción y su énfasis en las emociones como un factor de aprendizaje importante. En la
cuarta sección, se revisa la teoría de inteligencia múltiple de Gardner en combinación con el
progreso de la neurociencia en el campo de la educación. Finalmente, el quinto, la colonización
en las escuelas y su impacto en el aprendizaje proponiendo estrategias pedagógicas para
recuperar prácticas musicales propias.
METODOLOGIA
1,2
La música juega un papel importante en la vida emocional de los estudiantes en el
entorno escolar. Su impacto debe ir más allá del entretenimiento simple porque afecta en el
bien estar emocional y en la regulación personal de los estudiantes. Según (Caballero
Meneses, 2010), hay dos posiciones principales sobre la relación entre música y emociones: el
estado del cognitivo y el emotivista. Ambas teorías nos permiten analizar cómo la música
contribuye al desarrollo emocional de los estudiantes y justificar su presencia en nuestra
educación en el contexto.
La primera postura propone un mecanismo cognitivo a través del cual se detecta la
intención de la música, es decir, lo que esta transmite. La segunda postula emociones reales,
inducidas por la música. (Caballero Meneses, 2010).
Considerando la cita, el estado cognitivo, la música influye como un transmisor de
emociones y que los estudiantes identifican sin necesidad de experimentarlas. Por ejemplo,
cuando los estudiantes escuchan piezas de música que causan tristeza, alegría o emoción,
aprenden a combinar estos estados emocionales con ciertas características de sonido o
música.
1 Doctorante del programa de Doctorado en Pedagogía de la Descolonización realizado en la Universidad Pedagógica de Sucre, actualmente ejerzo
como gestor educativo en una Institución Pública.
2 El presente Artículo fue realizado como parte de mi trabajo Final del Módulo 27: Ontología y Axiología de los pueblos de Latino América para una
Educación Transformadora, del programa Doctoral en Pedagogía de la Descolonización.
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Esta capacidad de reconocimiento puede fortalecer su inteligencia emocional para que
puedan interpretar y comprender mejor los sentimientos de sus compañeros de clase.
En el contexto de la escuela, esto significa que la música puede usarse como un
instrumento para fortalecer el estado de ánimo de los estudiantes, ayudar a reducir la ansiedad,
mejorar la concentración y promover la motivación. Implementar música en el aula ha
demostrado ser una estrategia efectiva para crear un entorno de aprendizaje positivo en el que
los estudiantes pueden sentirse más tranquilos o relajados. Además, el uso de la música en las
actividades grupales puede fortalecer el sentido comunitario y fortalecer la cooperación entre
ellos.
La música no solo tiene un valor artístico, sino también juega un papel crucial en el
aspecto emocional de los estudiantes. Tanto la cognición como la emotivista son su impacto en
la educación regular boliviana. Por lo tanto, es importante que las instituciones educativas
promuevan el espacio en el que la música sea un medio de desarrollo emocional, que permita a
los estudiantes no solo reconocer sus emociones, sino también sentir deliberadamente para el
crecimiento personal y social.
Un estudio, ha demostrado que, mediante la exposición a la obra musical para orquesta
Danzón n°2, del compositor mexicano Arturo Márquez, que la música es capaz de aumentar las
emociones positivas, así como disminuir las emociones negativas. (Blasco & Calatrava Aguilar,
2020).
El estudio mencionado en la cita se muestra en España con los estudiantes Blasco
Magraner y en las escuelas y colegios secundarias de Calatrava Aguilar. Esta investigación no
realiza la distinción de tonos mayores y menores en la regulación de los estados de ánimo
positivos, lo que caracteriza la reacción emocional de los individuos al estímulo musical elegido;
Según los autores, el trabajo fue elegido por sus propiedades rítmicas y melódicas, ya que
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combina constantemente elementos melódicos y rítmicos que dan a cada uno en diferentes
fragmentos.
Por otro lado, también hay estudios que muestran cuando los efectos de dicotomía
mayor o menor en la música, donde: las relaciones entre la tonalidad y emoción se discuten
ampliamente en el estudio musical, así como en el análisis y debate en la escuela superior de
formación de maestros (ESFM), “Simón Bolívar” (La Paz-Bolivia) donde pude trabajar.
Tradicionalmente, se ha adoptado una dicotomía entre las tonalidades mayores y
menores, como la primera se asocia con emociones de alegría y positivista, mientras que el
segundo se asocia con la tristeza o la melancolía. Los autores, como Carraturo y Fang, han
estudiado este punto de vista y han encontrado evidencia que confirma este vínculo entre la
tonalidad y las escalas emocionales, lo que fortalece la idea de que una manera más
importante para los oyentes es la tonalidad mayor que la tonalidad menor. Carraturo, junto con
otros autores, revisaron la literatura respecto a la percepción dicotómica de las tonalidades, de
la cual aseveran:
La asociación de la música en tonalidad mayor con la evocación de emociones con
valencia positiva como la alegría, y la asociación de la música en tonalidad menor con
emociones con valencia negativa, tales como la tristeza. (Carrudo, Pando Naude, Costa ,
Vusst, Bonetti, & Brattico, 2023).
Esta dicotomía si bien es un fenómeno ampliamente documentado, es importante tener
en cuenta que la percepción del tono, no es un sistema rígido o universal, sino que se
distribuye por factores culturales, contextuales y subjetivos.
Sin embargo, en otras tradiciones musicales, la función emocional de la escala no
siempre sigue este esquema. Esto sugiere que aunque la tonalidad juega un papel importante
en la percepción emocional, no es el único factor decisivo en la experiencia emocional de la
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música. Otros elementos, como ritmo, dinámica, instrumentación y expectativas tonales,
también afectan para que despierte de esa emoción.
La asociación entre el modo mayor con la alegría y el modo menor con la tristeza es una
tendencia perceptiva respaldada por la literatura, pero no debe considerarse una regla
absoluta. La música es muy compleja en el momento de análisis de sus componentes en el que
intervienen variables en la creación de la experiencia emocional del oyente. Por lo tanto, es
importante continuar estudiando estos enlaces desde perspectivas multidisciplinarias que
incluyen la psicología en la música, neurociencia y etnomusicología para comprender los
mecanismos de la relación subyacente.
Como maestro de educación musical pienso que es necesario analizar las teorías de
Howard Gardner el estudio de las teorías de inteligencia múltiple, considerando varias
inteligencias como entendemos el aprendizaje en el aula. Tradicionalmente, el sistema
educativo ha priorizado la inteligencia lingüística y lógica matemática, dejando a otras
habilidades cognitivas de igual valiosas en la educación del ser. Gardner nos invita a reconocer
la diversidad de talento en nuestros estudiantes y adaptar nuestras metodologías para
responder a esta diversidad. En particular, la inteligencia musical es un poderoso ejemplo de
cómo las emociones y la creatividad pueden mejorar el aprendizaje. La música no solo
desarrolla habilidades auditivas y motoras, sino que también puede fortalecer la memoria,
mejorar la concentración y crear un entorno que promueva un aprendizaje significativo. Los
estudios muestran que la música activa una serie de áreas en el cerebro y que promueven el
desarrollo cognitivo, por lo tanto, mejoran el aprendizaje en la persona.
Educadores deben diversificar sus metodologías educativas para así poder alcanzar a la
diversidad de personalidades que anidan en el salón de clase", dijo el profesor de Harvard,
Howard Gardner a los participantes durante una convención en Milwaukee en 1997 (WEAC
(Wisconsin Education Asociation Council), 2001)
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Si diversificamos nuestras estrategias educativas como maestros para integrar los
elementos musicales en el aula, podemos saber que están aprendiendo mejor utilizando
sonidos, ritmos y patrones de la música. La música puede ser una herramienta importante para
el desarrollo integral, por lo tanto, es importante que los maestros aprovechen un enfoque más
inclusivo que evalúe y estimule toda inteligencia. La educación futura debe admitir que existen
formas de desarrollar potencialidades del ser.
Como maestro, creo que la inteligencia musical, que Howard Gardner ha crecido en una
serie de inteligencia, es una de las herramientas más poderosas para el desarrollo humano y la
formación integral. La música no solo es la manifestación artística, sino también actúa como un
catalizador para el desarrollo cognitivo, emocional y social de los estudiantes. Desde la primera
infancia, el hombre ha respondido a los estímulos musicales, lo que muestra que esta
inteligencia está heredada y puede fortalecerla de por vida al ser humano. El desarrollo del
cerebro está directamente influenciado por la música. Los estudios muestran que los efectos de
los ritmos y las melodías estimulan los aspectos neurales, mejoran la memoria y mejoran la
creatividad.
En el aula, la música se puede usar como una estrategia para facilitar el aprendizaje de
diferentes temas, utilizando canciones, ritmos y melodías, los estudiantes pueden internalizar
de manera más efectiva los conceptos, y fortalecer la comprensión y la preservación de la
información. La musicalización del contenido, entre otras cosas, facilita el lenguaje, las
matemáticas y el aprendizaje científico.
Además, la inteligencia musical no solo afecta el desarrollo cognitivo, sino también
fortalece el bien estar emocional y social. La música tiene el poder de crear emociones, crear
un entorno de armonía y mejorar la comunicación interpersonal. Los estudiantes que
desarrollan esta inteligencia aprenden a expresar sus sentimientos creativamente, trabajan
como un equipo y desarrollan habilidades de escucha activa. Estos aspectos son esenciales
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para la formación integral del ser humano, ya que promueven la autoestima, la empatía y el
bien estar.
Como maestros y especialistas del área de educación musical, somos responsables de
diversificar nuestra educación y estrategias metodológicas y reconocer la importancia de la
música en el proceso de educación. La inclusión de actividades musicales en el aula no solo
beneficiará a los estudiantes con destrucción de la música natural, sino que también les dará a
todos la oportunidad de desarrollar deliberadamente esta inteligencia.
Implementar ejercicios rítmicos, melódicos y el uso de canciones para fortalecer el
contenido, la investigación sobre instrumentos musicales es algunas de las formas en que
podemos mejorar el aprendizaje a través de la música, englobando la inteligencia musical,
debe evaluarse y promoverse en la educación, no solo como disciplina artística, sino también
un instrumento integrado para el desarrollo humano. La música no solo enriquece la mente,
sino que también fortalece el corazón y el espíritu, dando a cada estudiante la oportunidad de
lograr su máximo potencial en creatividad y expresión.
La educación en el mundo ha experimentado una revolución significativa con la
incorporación de nuevas perspectivas sobre la inteligencia musical, especialmente desde la
propuesta de Gardner con su Teoría de las Inteligencias Múltiples (T.I.M.). (Gardner, 1983)
La inteligencia musical definida como la capacidad de percibir, transformar, diferenciar y
expresar formas musicales juega un papel importante en el desarrollo cognitivo y emocional de
los estudiantes. Los estudios en neurociencia, de Francisco Mora, han demostrado que la
música tiene un impacto directo en la plasticidad del cerebro, lo que afecta en la regulación
emocional y la capacidad de aprendizaje. A este respecto, la modulación musical a una
tonalidad mayor no solo puede mejorar el rendimiento académico, sino también al bien estar
emocional de los estudiantes.
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Las emociones son la base más importante sobre la que se sustenta todos los procesos
de aprendizaje y memoria (Mora, 2013) p.37.
Este argumento de la neuroeducción, donde Francisco Mora, enfatiza que las
emociones es una parte esencial del proceso de aprendizaje porque actúa como un catalizador
de curiosidad, atención y memoria. En su trabajo, la neuroeducción donde explica Mora que el
aprendizaje está influenciado por muchos factores de relación que tiene el individuo.
Desde un punto de vista neurocientífico, la música en un tono mayor generalmente se
percibe como emociones positivas estimulantes y creativas. Esto se debe a que estos matices
de la estructura melódica y armoniosa activan las áreas cerebrales asociadas con alegría y
motivación, como el sistema límbico y la corteza pre frontal. Por lo tanto, al implementar la
modulación musical como estrategia educativa, trata de descolonizar los estados emocionales
de los estudiantes, permitiéndoles experimentar una educación musical, lo que no solo evalúa
sus raíces culturales, sino que también estimula los sentimientos de los estudiantes en este
estudio.
El modelo planteado por Francisco Mora, que integra las emociones como base del
aprendizaje, fortalece la idea de que la música no es solo un componente artístico, sino
también una herramienta poderosa para la educación y la regulación emocional.
La investigación de Francisco Mora proporciona una base científica sólida para afirmar
que las emociones son la clave para el aprendizaje, que respalda la idea de que la modulación
musical en un tono mayor puede contribuir a una educación más efectiva y emocional,
centrándose en el contexto del análisis de las modulaciones a tonalidades mayores y menores,
enfocado en la zona andina de Bolivia, donde la cultura en la educación forma parte de la
identidad cultural en el proceso de la educación.
Esta investigación busca explorar cómo la música puede actuar como un agente de
descolonización del estado emocional de los estudiantes, posiblemente marcado por la
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colonización musical en tonalidades menores que contienen tristeza y melancolía,
permitiéndoles conectarse con sus raíces culturales. La música, al ser una expresión intrínseca
de las comunidades andinas, puede ser utilizada estratégicamente en las escuelas regulares
para fomentar un aprendizaje más significativo y una mayor estabilidad emocional en los
estudiantes.
Las emociones positivas pueden ayudar en la resolución de problemas y
autorregulación, mientras que las emociones negativas pueden obstaculizar el rendimiento
académico (Gonzalez, 2020). El estrés emocional persistente puede provocar un deterioro
intelectual y dificultades de aprendizaje (Barra, 2018).
Articulando las teorías de las Inteligencias Múltiples de Gardner, con los avances en
neurociencia planteados por Francisco Mora, podemos encontrar un marco teórico sólido para
analizar el impacto de la música en la educación. De ahí nace esta investigación enfoca y
planteada como propuesta la modulación a la tonalidad mayor en el desarrollo del ser en el
proceso aprendizaje, que no solo contribuye al desarrollo de la inteligencia musical, sino que
también es una herramienta poderosa para despertar el aspecto emocional de los estudiantes
de la zona andina de Bolivia. Por lo tanto, el propósito de este estudio es proporcionar
evidencia de fortalecer la parte emocional de la población andina a partir de la implementación
de la modulación musical y promover estrategias educativas innovadoras que mejoran la
calidad de la educación.
RESULTADOS Y DISCUSIÓN
También es importante analizar y reflexionar sobre aquellos resultados, la colonización
musical en América Latina tuvo impacto positivo y negativo, que es necesario analizar en el
contexto educativo.
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La colonización del pensamiento musical en América a partir del siglo XVI excede el
silenciamiento y la consecuente sustitución de los repertorios originarios extendiéndose al
concepto mismo de música, de músico y sus respectivas formas de existencia (Shifres &
Gonnet, 2015)
Desde el punto de vista del maestro, creo que la colonización de la música en América
Latina ha tenido un impacto profundo a largo plazo en la identidad y la emocionalidad de la
población, especialmente en la región andina de Bolivia.
Los autores Shifres y Gonnet, muestran cómo este proceso no solo ha silenciado las
melodías propias del pueblo, sino que transformó la misma música originaria del pueblo,
imponiendo una forma musical europea en el periodo republicano que persiste hasta estos
días. En la música andina de Bolivia, la tonalidad menor es predominante en su música y sus
melodías, reflejando una característica melancólica, mostrando en su interpretación como una
manifestación de las experiencias históricas de la región o población.
“Debemos pensar desde Bolivia desde Kollasuyo desde ahí hacemos un encuentro
respecto al mundo, y la cual se debe complementar para llegar a lo comunitario”. (Yampara S. ,
2007)
La descolonización musical en Bolivia es una necesidad para fortalecer las emociones
positivas de los estudiantes y enriquecer su proceso de aprendizaje. Como menciona Simón
Yampara, pensar desde Kollasuyo y nuestra propia identidad para crear una reunión con el
mundo que fortalece la sociedad. La música tradicional andina con sus ritmos y escalas
peculiares y sus significados ancestrales no es solo una manifestación de la cultura, sino un
medio para conectar emocionalmente a los estudiantes con raíces, promover orgullo,
pertenencia y motivación. La inclusión de este conocimiento musical en el campo de la
educación permite resignificar el aprendizaje, promoviendo un aprendizaje más significativo.
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La imposición de este modelo jesuita, basada en una lógica notacional y la imposición
de estructuras musicales propias de la liturgia católica, ha contribuido a una transformación
obligatoria del sentir musical de las poblaciones originarias de este contexto. En este sentido, la
melancolía y la tristeza pueden entenderse como una respuesta emocional a la pérdida y al
sometimiento cultural propio.
También el autor (Bautista, 2010), menciona en la crítica de la subjetividad del boliviano,
en el cual nos habla de constituir una racionalidad más amplia. Al respecto podemos
argumentar que lo racional: " es lo que es correcto para uno o para todos, ahí surge lo
comunitario lo constitutivo de lo individual, quiere decir que yo antes de tener ideas existe la
comunidad, que a través de ese lenguaje constituye certezas posiciones después. Este
argumento nos aclara que debemos partir de nuestra realidad a partir de una inter-
intraculturalidad para así fortalecer nuestra identidad cultural. Como profesor, es fundamental
reconocer estos procesos históricos y trabajar hacia una educación musical que valore y
rescate las expresiones musicales originarias, permitiendo a las nuevas generaciones
reconectar con su identidad cultural desde una perspectiva más equitativa e inclusiva.
La música es un lenguaje universal que tiene el poder de influir profundamente en
nuestras emociones y estados de ánimo. Como profesor de educación musical, he observado
cómo diferentes notas musicales, ritmos y tonos pueden causar una amplia gama de
sensaciones para los estudiantes y aquellos a quienes les gusta la música. Esta capacidad de
crear emociones no es casualidad, pero el resultado de la interacción entre los elementos
musicales y las reacciones naturales en nuestro cerebro a partir de las emociones. Por
ejemplo, las notas musicales pueden transferir diferentes niveles de energía y emoción. Las
notas agudas generalmente causan sensaciones de excitación, tensión o alegría, mientras que
las notas graves expresan calma, o incluso melancolía. A este respecto, la elección del
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instrumento y el sonido del instrumento influyen significativamente en la percepción emocional
de la composición musical.
También el ritmo y el tono tiene su impacto en la persona puede conducir entusiasmo y
la dinámica que explican su uso en la competencia, que el profesor Roberto Valderrama
Hernández señala en su estudio. Por otro lado, los ritmos lentos y ordinarios tienen la
capacidad de relajar la mente y el cuerpo, por lo que se usan en un entorno médico o
terapéutico para aliviar el estrés y la ansiedad. La música es una herramienta poderosa que
crea nuestras emociones a través de sus notas, ritmos y tonos. Como maestro, creo que es
importante que los estudiantes comprendan cómo estos elementos pueden utilizarse para
expresar y regular sus estados de ánimo de las personas. La música no solo enriquece nuestra
vida artística, sino que también afecta positivamente a nuestra emocional y cognitiva.
CONCLUSIONES
Los estudios actuales han demostrado que la música juega un papel importante en el
desarrollo emocional y el aprendizaje de los estudiantes. Su impacto excede el área de
entretenimiento porque afecta la regulación emocional y la creación del entorno que promueve
el aprendizaje.
Se muestra desde las perspectivas cognitivas y emocionales que la música no solo
ayuda a reconocer y tratar las emociones, sino también a promover el crecimiento personal y
social de los estudiantes. Los resultados de la relación entre el tono musical y las emociones
confirman que la tonalidad mayor tiende a crear una sensación de alegría, mientras que la
tonalidad menor está relacionada con la melancolía y el autocontrol. Sin embargo, esta relación
no es absoluta, ya que varios factores culturales y contextuales afectan la percepción musical.
Desde la neurociencia, la música se ha demostrado que la tonalidad mayor activa las áreas del
cerebro asociadas con la motivación y la alegría, fortaleciéndolas como una herramienta
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educativa para crear estados emocionales positivos y mejorar el rendimiento académico en
comparación de la tonalidad menor.
Como profesor de educación musical, creo que es importante promover estrategias
educativas que integren la música no solo como una disciplina artística en el aula, sino también
como una herramienta cruzada en el desarrollo de la inteligencia musical y la educación
emocional de los estudiantes.
La teoría de las inteligencias múltiples de Howard Gardner y los avances en
neurociencia de Francisco Mora muestran un marco sólido para asimilar la relevancia de la
música en la educación de nuestros días. Las emociones constituyen la base de los procesos
de aprendizaje y memoria (Mora, 2013), por lo tanto, la implementación de la tonalidad mayor
puede fortalecer tanto el desempeño académico como el bienestar emocional de los
estudiantes en las escuelas.
También es importante reconocer el impacto de la colonización musical en América
Latina y su impacto en la percepción y la estructura emocional de la música en la comunidad.
Esta imposición de las estructuras musicales europeas ha cambiado la sensación original de la
música originaria y ha creado un personaje melancólico en la música andina, que refleja el
pasado con la subyugación y la transformación cultural. Este análisis nos llama a considerar
enseñar música con una perspectiva más inclusiva para salvar las tradiciones de la música
originaria y su influencia en la identidad emocional de los estudiantes.
Como la colonización en Latinoamérica no solo influyo en los pueblos y sus
economías, sino también en aquellas formas del proceso de aprendizaje. Según el autor
Aníbal Quijano, “la colonialidad del poder” marco una estructura jerárquica de saberes y
culturas, remarcando y privilegiando al eurocentrismo como modelo universal. Esta visión
aún existe en la educación actual, donde aquellos saberes como la música académica
occidental suelen considerarse superiores o mejores frente a expresiones locales o
indígenas. En el ámbito de la colonización musical, todo estos reflejados en los
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estudiantes donde valoran más los repertorios colonizantes más que sus propias
expresiones culturales, influyendo su identidad y la relación con el aprendizaje.
A toda esta posición planteada anteriormente, la autora Catherine Walsh plantea
prácticas “insurgentes de resistir, (re)existir y (re)vivir”, este enfoque busca rescatar los
saberes y expresiones culturales propias originarias. Todo aquello aplicada en la
educación musical, implica reconocer y rescatar músicas originarias, fomentando la
apropiación de la diversidad musical y cuestionando los criterios eurocéntricos. Así
dejaría de ser el aprendizaje una reproducción de categorías o jerarquías coloniales,
convirtiéndose en un espacio de análisis y construcción crítica, donde todos los
estudiantes reconozcan y valoren su identidad cultural.
Nuestra música contemporánea puede como un elemento de control social, en
cuanto la música organiza, conlleva e influye en las emociones comunitarias, afectando
así en las formas y relaciones sociales que tienen. Desde el punto de vista de los
autores Redondo y German (2009), la música no viene vacía, sino forma parte de la
articulación de las culturas que orientan a conllevar y sensibilizar y comportamientos.
En este entendido, sus elementos estructurales de la música juegan un papel
clave y fundamental, como: el ritmo, como señala Schmidi Neumann (1977), está
directamente relacionado con las reacciones motoras del cuerpo, por lo que los ritmos
simples tienden a provocar repetición y pasividad, mientras que los ritmos complejos
pueden estimular un mayor dinamismo y complejidad de la acción.
Asimismo, las notas mayores y menores afectan la construcción emocional.
Sandoval (2024) afirma que la música produce reacciones directas en el estado
emocional y fisiológico, mientras que Mosquera Cabrera (2013) muestra su influencia en
la configuración de las emociones.
Estas características pueden impulsar un estado de ánimo comunitario que,
cuando se repite, afecta la relación entre los estudiantes y refuerza ciertos patrones
sociales. Desde una perspectiva crítica, este análisis destaca la importancia de
descolonizar los aspectos emocionales en la educación musical.
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781 Revista Multidisciplinar Epistemología de las Ciencias | Vol. 3, Núm. 2, 2026, abril-junio
Es necesario cuestionar la hegemonía de ciertos estilos y estructuras musicales
que limitan la diversidad expresiva y, en cambio, fomentan la inclusión de ritmos
diversos y complejos que amplían las posibilidades emocionales y relacionales de los
estudiantes.
De esta manera, la música puede dejar de ser un medio de control y
convertirse en un medio de liberación y formación de una identidad más libre y
consciente.
Y finalmente concluyendo, la música debe considerarse como un recurso importante en
el campo de la educación, ya que su impacto en las emociones y el aprendizaje es innegable.
Su integración en el plan escolar no solo contribuirá a un mejor rendimiento académico, sino
que también promoverá el desarrollo de los aspectos emocionales en los estudiantes.
Declaración de conflicto de interés
El autor declara no tener ningún conflicto de interés relacionado con esta investigación.
Declaración de contribución a la autoría
La autoría del presente artículo corresponde íntegramente a Aníbal Tarifa Ferrano,
quien ha realizado las siguientes funciones: Responsable de la metodología, conceptualización,
redacción del borrador original, así como de la revisión y edición de la redacción.
Declaración de uso de inteligencia artificial
En cumplimiento con las normas éticas de publicación, el autor manifiesta lo siguiente
respecto al uso de herramientas tecnológicas:
Se declara que se utilizó la Inteligencia Artificial exclusivamente como apoyo para la
elaboración de este artículo.
Esta herramienta no sustituyó en ninguna medida el proceso intelectual ni las tareas de
investigación del autor.
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Se reconoce y manifiesta que el presente trabajo es producto de un esfuerzo intelectual
propio y que los contenidos no han sido publicados previamente en ninguna plataforma de
inteligencia artificial.
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